Matisse est connu pour son utilisation de la couleur, sa fluidité et son dessin original.
Henri Matisse (1869-1954), né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le 3 novembre 1954 à Nice, est un peintre, dessinateur et sculpteur français. Il fut le chef de file du fauvisme ; Pablo Picasso le considérait comme son grand rival et néanmoins ami.
Henri Matisse est largement considéré comme le plus grand coloriste du XXe siècle et comme un rival de Pablo Picasso par l’importance de ses innovations. Il a émergé en tant que postimpressionniste et s’est d’abord fait connaître en tant que leader du mouvement français Fauvisme. Bien qu’intéressé par le cubisme, il l’a rejeté et a plutôt cherché à utiliser la couleur comme base de peintures expressives, décoratives et souvent monumentales. 
Réalisations Matisse a utilisé des couleurs pures et le blanc de la toile exposée pour créer une atmosphère lumineuse dans ses peintures fauves. Plutôt que d’utiliser la modélisation ou l’ombrage pour donner du volume et de la structure à ses images, Matisse a utilisé des zones contrastées de couleur pure et non modulée. Ces idées ont continué à être importantes pour lui tout au long de sa carrière.
Son art a joué un rôle important dans la reconnaissance de la valeur de la décoration dans l’art moderne. Cependant, bien qu’il soit généralement considéré comme un peintre dévoué au plaisir et au contentement, son utilisation de la couleur et du motif est souvent délibérément désorientant et troublante.
Matisse a été fortement influencé par l’art d’autres cultures. Ayant vu plusieurs expositions d’art asiatique et ayant voyagé en Afrique du Nord, il a incorporé certaines des qualités décoratives de l’art islamique, l’angularité de la sculpture africaine et la planéité des estampes japonaises dans son propre style.
Matisse a déclaré un jour qu’il voulait que son art soit « d’équilibre, de pureté et de sérénité, dépourvu de sujet troublant ou déprimant », et cette aspiration a eu une influence importante sur certains, comme Clement Greenberg, qui s’est tourné vers l’art pour fournir un abri de la désorientation du monde moderne.
La figure humaine était au cœur de l’œuvre de Matisse, tant en sculpture qu’en peinture. Son importance pour son œuvre fauviste reflète son sentiment que le sujet avait été négligé dans l’impressionnisme, et qu’il continuait d’être important pour lui. Parfois, il fragmentait durement la figure, à d’autres moments, il la traitait presque comme un élément curviligne et décoratif. Certaines de ses œuvres reflètent l’humeur et la personnalité de ses modèles, mais le plus souvent, il les utilisait simplement comme véhicules de ses propres sentiments, les réduisant à des chiffres dans ses créations monumentales.
La vie d’Henri Matisse
Matisse a méticuleusement expérimenté l’art, essayant et réessayant des idées en disant : «J’ai toujours essayé de cacher mes efforts et j’ai souhaité que mes œuvres aient une légère joie de printemps qui ne laisse jamais personne soupçonner les travaux qu’elle m’a coûtés.»
Enfance
Henri-Emile-Benoit Matisse est né de parents de la classe moyenne Emile-Hippolyte-Henri Matisse, marchand de céréales et de quincaillerie, et d’Anna Héloïse Gérard. Il grandit à Bohain-en-Vermandois et fait ses études au Collège de Saint Quentin, avant de s’installer à Paris pour étudier le droit. En 1889, il revient à Saint-Quentin comme auxiliaire de justice, bien qu’il trouve le travail fastidieux et se plaigne d’anxiété. Plus tard cette année-là, il a contracté une appendicite et a passé plusieurs mois à la maison en convalescence. Pendant ce temps, à l’âge de 20 ans, il découvre l’isolement bienvenu et la liberté de la peinture.
Formation précoce
Frappé par sa nouvelle passion, Matisse repart pour Paris en 1891, cette fois pour étudier l’art. Il échoue aux examens d’entrée à l’École des beaux-arts, mais rejoint officieusement l’atelier du peintre symboliste français Gustave Moreau en 1892. Moreau dit à ses élèves : « Les couleurs doivent être pensées, rêvées, imaginées ». Cette attitude symboliste envers la peinture a contribué à l’utilisation expressive de la couleur par Matisse. En 1894, Matisse a eu de manière inattendue une fille, Marguerite, avec son amante, Caroline Joblaud. Après avoir été finalement accepté à l’École des Beaux-Arts en 1895, il continue d’étudier avec Moreau jusqu’en 1898. De nombreux styles influencent le peintre au cours de ces années, des natures mortes académiques de Jean-Baptiste-Siméon Chardin au pinceau lâche des impressionnistes.
Matisse passe l’été 1905 à Collioure, travaillant avec André Derain pour créer un nouveau style de couleurs pures et de lumière vive. Le nouveau style est devenu connu sous le nom de fauvisme, après que le critique Louis Vauxcelles a décrit l’arrangement des œuvres au Salon d’Automne de 1905 – une vitrine importante pour le nouveau mouvement – comme « Donatello parmi les bêtes sauvages [fauves] ». Matisse fut bientôt connu comme le chef des fauvistes dans la presse, appelé « chef fauve » par Louis Vauxcelles et d’autres critiques. Le mouvement fauviste, bien qu’éphémère, a forgé l’une des deux directions de l’art moderne. En 1905, Matisse rencontre Pablo Picasso à l’atelier de Gertrude Stein. Les deux artistes ont commencé une amitié et une rivalité pour la vie, chaque artiste représentant une direction possible que l’art moderne pourrait prendre après la mort de Paul Cézanne. Alors que Picasso déconstruisait des objets dans des plans cubistes, Matisse cherchait à construire la forme d’un objet à travers la couleur.
La séparation de Matisse de sa femme en 1939, l’arrivée de la Seconde Guerre mondiale et la mauvaise santé, tout cela a ajouté à l’anxiété de Matisse quant à la direction de son travail. Après une intervention chirurgicale majeure en 1941, il a été confiné à un fauteuil roulant. Il se tourne vers le dessin et le papier découpé, supports physiquement plus maniables et offrant un nouveau potentiel d’expression. Les papiers découpés symbolisaient pour Matisse la synthèse du dessin et de la peinture. Les papiers découpés encouragent Matisse à simplifier encore plus les formes, distillant le « caractère essentiel » de l’objet jusqu’à ce qu’il devienne un symbole de lui-même. Il a utilisé la technique du papier découpé pour concevoir des vitraux pour la Chapelle du Rosaire à Vence, en France, et comme support à part entière dans des œuvres de grande envergure. Avec l’aide d’assistants, Matisse a pu continuer à travailler malgré sa maladie. Le 3 novembre 1954, Matisse meurt d’une crise cardiaque.
L’héritage d’Henri Matisse
1904-05 Luxe, Calme et Volupté 
Le titre de ce tableau est tiré du refrain du poème de Charles Baudelaire, Invitation au voyage (1857), dans lequel un homme invite son amant à voyager avec lui au paradis. Le paysage est probablement basé sur la vue de la maison de Paul Signac à Saint-Tropez, où Matisse était en vacances. La plupart des femmes sont nues (à la manière d’une idylle classique traditionnelle), mais une femme – supposée représenter l’épouse du peintre – porte une robe contemporaine. Il s’agit de la seule peinture majeure de Matisse dans le mode néo-impressionniste, et sa technique s’inspire du pointillisme de Paul Signac et de Georges Seurat. Il se distingue toutefois de la démarche de ces peintres par la manière dont il dessine les figures pour les mettre en valeur.
Huile sur toile – Musée National d’Art Moderne, Paris
1905 La femme au chapeau 
Matisse a attaqué le portrait conventionnel avec cette image de sa femme. La pose et la robe d’Amélie sont typiques de la journée, mais Matisse a grossièrement appliqué une couleur brillante sur son visage, son chapeau, sa robe et même l’arrière-plan. Cela choqua ses contemporains lorsqu’il envoya le tableau au Salon d’Automne de 1905. Leo Stein l’appelait « la plus mauvaise tache de peinture que j’aie jamais vue », mais lui et Gertrude l’ont achetée pour l’importance qu’ils savaient qu’elle aurait pour la peinture moderne.
Huile sur toile – Musée d’art moderne de San Francisco Joie de vivre (Le Bonheur de Vivre) (1905-06)
1905-06 Joie de vivre (Le Bonheur de Vivre)
1907 Nu bleu (Souvenir de Biskra) 
Huile sur toile – The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection
1908-09 Le dos 
1915-16 Les Marocains 
Matisse a planifié cette image dès 1913, et elle rappelle les visites effectuées au Maroc à cette époque. Un personnage est assis à droite et nous tourne le dos, des fruits se trouvent au premier plan à gauche et une mosquée s’élève à l’arrière-plan au-delà d’une terrasse. Matisse a déclaré qu’il utilisait parfois du noir dans ses images afin de simplifier la composition, bien qu’ici il rappelle sans aucun doute aussi les ombres austères produites par le fort ensoleillement de la région. Comme Baigneuses au bord d’une rivière (1917), Les Marocains ont été fortement influencés par le cubisme de Picasso, et certains l’ont même comparé aux Trois Musiciens de Picasso.(1921). Bien qu’il emploie la même couleur brillante qu’une grande partie de l’œuvre de Matisse, son utilisation de motifs abstraits et de composition schématique rigide est inhabituelle et a suscité de nombreuses spéculations. Plutôt que d’utiliser la scène comme une occasion de décoration, c’est comme si Matisse avait essayé de trouver les moyens de la cartographier et de la cartographier.
Huile sur toile – The Museum of Modern Art, New York
1917 Baigneurs au bord d’une rivière 
Matisse considérait cette image comme l’une des plus importantes de sa carrière, et c’est certainement l’une de ses plus déroutantes. Il y a travaillé à intervalles réguliers pendant huit ans et il a subi diverses transformations. La peinture a évolué à partir d’une commande du mécène russe de Matisse, Sergei Shchuckin, pour deux panneaux décoratifs sur les sujets de la danse et de la musique, et, au départ, le schéma de l’image ressemblait aux scènes idylliques qu’il avait précédemment représentées dans des peintures telles que Joy of La vie (1905-06). Cependant, ses transformations l’ont progressivement transformé en une confrontation avec le cubisme, et c’est pour cette raison que l’image a fait l’objet d’un examen minutieux. Bien que Matisse ait rejeté le cubisme, il s’est certainement senti interpellé par celui-ci, et ce tableau – ainsi que de nombreux autres qu’il a peints de 1913 à 1917 – semble être influencé par le style, car il est très différent de son travail précédent, plus décoratif. Elle s’intéresse beaucoup plus à la représentation fidèle de la structure de la figure humaine et de sa position dans l’espace. La peinture pourrait être comparée à la série The Backs (1909-31), qui a également préoccupé Matisse les années où il travaillait sur Bathers, car les deux abordent le problème de la représentation d’une figure en trois dimensions sur un fond plat.
Huile sur toile – The Art Institute of Chicago
1932 La danse II 
Albert Barnes, médecin et amateur d’art, a chargé Matisse en 1931 de peindre une peinture murale pour le hall principal de sa galerie abritant des œuvres de Vincent van Gogh, Paul Cézanne et d’autres. Matisse a créé une maquette pour la peinture murale en papier découpé, qu’il pouvait réorganiser au fur et à mesure qu’il déterminait la composition. Cependant, le travail fini était trop petit pour l’espace en raison de mesures incorrectes. Plutôt que d’ajouter une bordure décorative, Matisse a décidé de recomposer l’ensemble de la pièce, résultant en une composition dynamique, dans laquelle les corps semblent sauter à travers un espace abstrait de champs roses et bleus.
Huile sur toile – Fondation Barnes, Merion, Pennsylvanie
1952 Nu bleu II 
Matisse a terminé une série de quatre nus bleus en 1952, chacun dans sa pose préférée de jambes entrelacées et bras levé. Matisse faisait des découpages depuis onze ans, mais n’avait pas encore sérieusement tenté de représenter la figure humaine. En préparation de ces travaux, Matisse a rempli un cahier d’études. Il crée alors une figure abstraite et simplifiée, symbole du nu, avant d’intégrer le nu dans ses peintures murales à grande échelle. Papiers découpés peints à la gouache – Collection particulière
Matisse et les impressionnistes
Là où Matisse est allé au-delà des impressionnistes, c’était dans son objectif de séparer entièrement la couleur de la représentation, permettant à la couleur d’être présente dans ses œuvres en tant qu’élément autonome de la composition. Il aspirait à une palette encore plus lumineuse, complètement dégagée des contraintes de la nature. Il a commencé à utiliser des blocs de couleur qui n’avaient rien à voir avec les fonctions descriptives.
Matisse s’est en outre inspiré de l’afflux de l’art japonais en Europe, comme on le voit dans les œuvres d’impressionnistes comme Mary Cassatt et Gustave Caillebotte. Il emprunte notamment aux gravures sur bois japonaises et ‘Joy of Life’ ou ‘Le Bonheur de Vivre’ de 1905-06 est un exemple de ce style. Le paysage est tiré d’un tableau qu’il a réalisé à Collioure dans le sud de la France mais l’impression dominante n’est pas celle d’un paysage réaliste mais de la planéité de l’œuvre, en accord avec le style japonais. La composition condensée avec des figures de lignes simples suit l’imagerie minimaliste de nombreuses gravures sur bois japonaises, bien que la composition imaginaire et idyllique de Matisse soit distinctement la sienne. Ce travail particulier était à grande échelle, composé de motifs individuels pour créer un tout. Son utilisation de couleurs vives et intenses a choqué de nombreux spectateurs lorsque le tableau a été exposé au Salon des Indépendants. Il a montré un rejet clair de la technique néo-impressionniste et une nouvelle direction pour l’artiste.
En plus de pousser la palette de couleurs impressionnistes à l’extrême, Matisse a également estimé que les impressionnistes avaient négligé l’importance de la figure humaine dans leurs peintures. Dans ses œuvres, il a cherché à placer la figure humaine au centre de son esthétique postimpressionniste et il a manipulé la forme humaine dans nombre de ses œuvres. Ses représentations de personnages allaient d’œuvres angulaires et fragmentées à des corps décoratifs tout en courbes jusqu’à ce qu’à la fin de sa carrière, elles ne soient que symboliques. Cela s’est éloigné de l’accent impressionniste sur la capture d’individus au travail et dans les loisirs, en dépouillant complètement les personnages de leurs intérêts individuels.
Matisse a rapidement occupé le devant de la scène en tant qu’artiste postimpressionniste de premier plan, obtenant une reconnaissance grâce à son développement du fauvisme. Le mot fauvisme dérive du français « Les Fauves », qui signifie « Les bêtes sauvages ». Le mouvement fauviste en France a cherché à rompre avec le cubisme, une autre forme d’art postimpressionniste, en faveur d’une focalisation sur la couleur. Couleurs irréalistes. Les expériences fauves avec la couleur se sont inspirées des œuvres de Vincent Van Gogh et de Paul Gauguin, entre autres postimpressionnistes, en les combinant avec les techniques néo-impressionnistes développées par Georges Seurat. Matisse développe sa technique durant l’été 1905 qu’il passe à Collioure avec André Derain. Au cours de cette période, Matisse a commencé à utiliser une lumière vive et des couleurs pures dans son travail, même si elles ne représentaient pas le sujet qu’il peignait.
Il est devenu connu comme le «chef Fauve», le mot fauvisme venant définir la collection éclectique d’artistes qui ont adopté des éléments du style de Matisse. Matisse croyait que la couleur devait être le fondement de la peinture, à la fois comme moyen d’expression et comme décoration. Il considérait la peinture et l’art comme une forme de thérapie, «une influence apaisante et calmante sur l’esprit».
De cette façon, il a défendu le plaisir esthétique de l’art. Le fauvisme a utilisé des blocs de couleur pure et des toiles exposées pour construire des images lumineuses et romantiques ; il se consacrait au plaisir de l’art.
Dans le même temps, il convient de noter que de nombreuses peintures de Matisse étaient délibérément désordonnées, déroutant l’œil du spectateur d’une manière quelque peu troublante. Une grande partie de son travail a été fortement critiquée pour son utilisation de couleurs disjointes, comme on le voit dans l’œuvre « La femme au chapeau » de 1905. Cette peinture s’écarte du style de portrait conventionnel et montre les expériences de l’artiste avec la technique fauviste qui vont bien au-delà le caractère purement décoratif de l’œuvre d’art. Dans cette peinture, il passe d’un accent mis sur l’équilibre et la pureté à une exploration repoussant les limites de la couleur dans l’art.
En 1905, Matisse est également présenté à Pablo Picasso par l’intermédiaire de l’atelier de Gertrude Stein. Les deux artistes sont rapidement devenus amis. Ils ont paré pour définir la direction de l’art français après la mort de Paul Cézanne et leur rivalité était un aspect clé de leur relation.
Là où ils se sont alignés, c’était dans leurs expériences avec la figure féminine et les natures mortes, qui étaient toutes deux des éléments cruciaux des peintures de Matisse tout au long de sa carrière.
Gertrude Stein 
La fin du fauvisme
Le fauvisme devait être relativement de courte durée parmi tous les artistes fauvistes, y compris Matisse lui-même. Ils se sont finalement éloignés du mouvement dans la décennie suivant 1906. Au cours de cette période, Matisse s’est davantage inspiré des influences d’Afrique du Nord comme source d’inspiration.
Plusieurs de ses peintures antérieures témoignent également de l’influence des peintres néo-impressionnistes Paul Signac et Georges Seurat. Le tableau « Luxe, Calme et Volupté » de 1904-05 suit la technique pointilliste consistant à créer une image à partir de taches de peinture distinctes. Là où il diffère du style pointilliste, c’est dans les blocs de couleur pure construits par Matisse au lieu de construire la couleur grâce à la technique du mélange optique. De même, les figures nues de la scène ont été décrites pour leur donner plus d’importance, s’écartant davantage de la technique néo-impressionniste.
Cette œuvre particulière a été peinte par Matisse alors qu’il était en vacances chez Signac à Saint-Tropez. Le réglage est très probablement basé sur la vue depuis sa maison. On peut supposer que les figures nues de la composition ont été ajoutées à partir de l’imagination de l’artiste, dans le style d’une œuvre classique traditionnelle. Sur la gauche de l’image, une femme est représentée vêtue d’une robe contemporaine qui a été suggérée comme étant l’épouse de Matisse, Amélie. Les personnages donnent au tableau un style onirique, rehaussé par l’éblouissante palette de couleurs.
Au fur et à mesure que Matisse grandissait en tant qu’artiste, son travail a subi plusieurs changements stylistiques. Une grande partie de son travail ultérieur peut être comprise comme une conversation avec le cubisme, alors qu’il cherchait à emprunter et à rompre avec le mouvement le plus important en France à cette époque. Il y a de nombreux tableaux dans l’œuvre de Matisse où il semble lutter contre l’influence du cubisme, notamment dans le tableau « Baigneuses au bord d’une rivière » de 1917.
La palette de couleurs est restreinte et il y a quelque chose de troublant dans la position des personnages sans visage. Certains critiques ont suggéré que cette œuvre plus sombre reflète l’influence des horreurs de la guerre sur l’œuvre de Matisse alors que la Première Guerre mondiale était fermement en cours à ce stade.
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