Cinéaste de renommée mondiale, metteur en scène de théâtre légendaire et écrivain exceptionnel.
Ernst Ingmar Bergman (1918-2007), né le 14 juillet 1918 à Uppsala, mort le 30 juillet 2007 à Fårö, était un metteur en scène de cinéma et de théâtre, écrivain, directeur de théâtre, dramaturge et auteur suédois. Ingmar Bergman a écrit ou réalisé plus de 60 films et 170 productions théâtrales, et est l’auteur de plus d’une centaine de livres et d’articles. Parmi ses œuvres les plus connues figurent les films The Seventh Seal, Wild Strawberries et Persona, ainsi que son autobiographie The Magic Lantern.
Dans les nombreuses œuvres de Bergman, on trouve des variations sur un thème central : les familles dysfonctionnelles, les artistes ratés suceurs de sang et un Tout-Puissant absent deviennent tous des manifestations de notre incapacité collective à communiquer les uns avec les autres.
Goethe, Molière, Ibsen et Strindberg ont tous eu des influences extrêmement importantes sur Bergman, non seulement dans son travail théâtral, mais aussi dans l’ensemble de sa carrière artistique.
Les films de Bergman se déroulent presque exclusivement en Suède et, à partir de Through a Glass Darkly de 1961, ils ont été tournés principalement sur la petite île de Fårö, au nord-est de Gotland. La réception internationale des films de Bergman reflète une fascination non négligeable pour un exotisme scandinave : langage impénétrable, nature primitive et femmes aux cheveux de lin. La représentation de la nudité et d’une sexualité « naturelle » dans les films de Bergman a contribué à leur succès.
En examinant la carrière de Bergman, une autre caractéristique de son travail pour la scène et le cinéma est la compagnie récurrente de collaborateurs fidèles. Quelques exemples notables de cet ensemble incluent le directeur de la photographie Sven Nykvist, les acteurs Max von Sydow, Liv Ullmann et Bibi Andersson, et le costumier Mago.
La relation entre la vie et les œuvres de l’artiste (malgré la tendance des analyses biographiques à être victimes du culte du génie) est chez Ingmar Bergman aussi inextricablement embrouillée qu’irrésistible. Dans d’innombrables interviews et représentations artistiques, et notamment dans La Lanterne magique, Bergman a fait référence à plusieurs reprises à son enfance et à son importance pour sa vision artistique. Un certain nombre de ses proches étaient également des collègues créatifs.
Ingmar Bergman : La vie et la carrière d’un génie du cinéma
Le cinéaste suédois Ingmar Bergman se retrouve régulièrement sur ces listes qui contiennent les noms des plus grands réalisateurs de tous les temps. Largement vénéré pour sa célèbre filmographie qui contient plusieurs chefs-d’œuvre comme Wild Strawberries et The Seventh Seal, entre autres, les œuvres de Bergman continuent d’être étudiées et disséquées par les nouvelles générations. À l’occasion du 103e anniversaire de son anniversaire, nous revisitons l’illustre carrière d’Ingmar Bergman comme une célébration de ses contributions inestimables au monde du cinéma.
Né à Uppsala en 1918, Bergman a affirmé plus tard que son enfance avait été violente. Son père était un ministre luthérien qui aurait battu Bergman et ses frères et sœurs et les aurait enfermés dans des placards. Bergman a également décrit sa mère Karin, infirmière, comme « froide et rejetante ». Il a rappelé plus tard : « L’un des sentiments les plus forts dont je me souvienne de mon enfance est d’avoir été humilié ; d’être renversé par des mots, des actes ou des situations. Cependant, les chercheurs ont mis en doute ces affirmations et se sont demandé si Bergman avait inventé sa propre mythologie tordue sur ses premières années. Certains chercheurs insistent sur le fait que Bergman a utilisé ses talents de conteur pour emprunter pour lui-même ce qui est vraiment arrivé à son frère aîné.
Bien qu’il ait grandi dans un foyer religieux, Bergman est devenu désabusé par l’idée de Dieu alors qu’il n’avait que huit ans : une question dominante qui deviendra un motif récurrent dans nombre de ses œuvres ultérieures. Enfant, Bergman a utilisé son imagination débordante pour construire ses propres productions de Strindberg à l’aide d’une lanterne magique et y a joué seul. Dès son plus jeune âge, il saisit parfaitement la nature répressive de la religion institutionnalisée et croyait que le seul but de ces institutions était « de créer des esclaves obéissants, avec Dieu au sommet ». Avec de si lourdes charges philosophiques sur son esprit, Bergman a naturellement fini par vivre une expérience difficile à l’école et a estimé qu’elle ne contribuait pas suffisamment à sa stimulation intellectuelle.
À la prestigieuse université de Stockholm, Bergman s’est concentré sur l’art et la littérature afin d’élargir sa compréhension et s’est fortement engagé avec des groupes de théâtre étudiants. C’est autour de cette période qu’il a été exposé à la magie du cinéma et est devenu un « véritable cinéphile », réalisant même sa première production théâtrale en 1942 basée sur son propre scénario – Caspar’s Death. L’artiste en plein essor a réécrit de nombreux scénarios pendant cette période, mais sa première réalisation majeure est considérée comme le film Torment d’Alf Sjöberg en 1944, écrit par Bergman. Peu de temps après, il réalise sa première œuvre cinématographique Crisis (1946) et enchaîne avec plusieurs autres comme Prison et Summer with Monika.
Cependant, Bergman n’a connu un succès à l’échelle mondiale qu’avec la comédie de 1955 Sourires d’une nuit d’été qui a remporté une nomination pour la Palme d’Or à Cannes et l’a suivi avec le film qui est souvent appelé son magnum opus – The Seventh Seal en 1956. Il y mène un examen passionnant de ses croyances existentielles et religieuses en mettant en scène une partie d’échecs terriblement pessimiste entre un homme et la Mort. Bergman a poursuivi ses brillantes méditations sur la mortalité, la mémoire et la vie dans des films comme Wild Strawberries, Through a Glass Darkly et Winter Light .qui sont aujourd’hui considérées comme ses plus belles œuvres et contribuent immensément à une compréhension définitive de la vision sans compromis du cinéaste sur la condition humaine.
Au cours de sa merveilleuse carrière, Ingmar Bergman a réalisé une soixantaine de films et nombre d’entre eux sont devenus des éléments incontournables de l’histoire du cinéma. Allant des expérimentations psychologiques de Persona aux explorations inoubliables de l’enfance de Fanny et Alexander, Bergman a laissé une marque indélébile dans le monde du cinéma. Ses œuvres ont inspiré d’autres cinéastes comme Woody Allen et Thomas Vinterberg, entre autres, qui ont puisé des idées dans son vaste héritage. Bergman reste toujours extrêmement pertinent en tant qu’artiste, même après toutes ces années, car ses réalisations cinématographiques continuent de générer un discours critique et occasionnel. Michelangelo Antonioni et Ingmar Bergman sont décédés le même jour en 2007, laissant le monde entier en deuil.
Tout comme nous trouvons du réconfort dans les films de Bergman, il a également trouvé du réconfort au cinéma : « Si je n’avais pas ma profession, je pense que je serais assis dans un asile de fous.
Chronologie des œuvres d’Ingmar Bergman
La vaste production d’Ingmar Bergman comprend environ 60 films pour le cinéma et la télévision, 172 productions théâtrales, environ 300 écrits et neuf enfants. La chronologie suivante fournit un schéma pratique de l’œuvre de sa vie.
Ingmar Bergman : les 14 films d’une rétrospective exceptionnelle
Treize films du maître suédois retrouvent le chemin des salles de cinéma. De “Musique dans les ténèbres” à “Sonate d’automne”, découvrez, par ordre chronologique, le détail de ce programme.
“Musique dans les ténèbres” (1948)
Représentatif des débuts de Bergman, alors jeune réalisateur soumis au bon vouloir des producteurs, Musique dans les ténèbres est un film qu’il accepta à contrecœur et dont il trouvera seulement à dire, plus tard : « Tout ce dont je me souviens, c’est que je me disais sans cesse pendant le tournage : fais en sorte de ne pas être ennuyeux. C’était mon unique ambition. » Le résultat est bien plus intéressant que cela, malgré un scénario de roman-photo : après avoir perdu la vue, un jeune soldat devient pianiste et trouve l’amour… De la cécité, simple tire-larmes, Bergman se sert pour suggérer que le cinéma peut être, et il le prouvera, une affaire d’âme, d’invisibilité. Et la passion pour la musique, qui traversera toute son œuvre, résonne déjà ici avec authenticité. Un film qui a l’attrait d’une curiosité et la force d’une belle promesse.
«La Prison» (1949)
Pour le premier film dont le grand studio pour lequel il travaille, la Svensk Filmindustri, l’autorise à être réalisateur et aussi auteur, Bergman imagine un curieux scénario : dans un studio de cinéma, un jeune réalisateur reçoit la visite d’un ancien professeur qui le met au défit de réaliser un film sur l’enfer… Mais, loin des projecteurs, c’est « la vraie vie » (premier titre envisagé) qui se révèle infernale, avec l’histoire d’une jeune prostituée forcée d’abandonner son enfant. Plein d’idées et d’envies d’en découdre avec le bien et le mal, La Prison est un mélo bousculé par un formidable appétit de cinéma, qui s’exprime de façon éclectique, du pur réalisme à l’onirisme très inspiré. Un Bergman méconnu mais fondateur.
«Jeux d’été» (1951)
Une danseuse de ballet reçoit dans sa loge, par un mystérieux porteur, le journal intime de l’homme qui fut son premier amour. Elle se souvient de leur été ensemble… Si le parfum d’un cinéma sentimental vieillot plane sur Jeux d’été, la surprise y est constante. Les souvenirs solaires dans lesquels replonge l’héroïne se révèlent pleins d’ombres, le froid gagne les amoureux, la tragédie menace, la mort fait une apparition sous les traits d’une veille femme malade… Audacieuse confrontation du bonheur et du malheur, Jeux d’été est un film charnière qui annonce à la fois Monika (où l’on retrouvera le décor de l’archipel de Stockholm, la fusion avec la nature), Le Septième Sceau (l’interrogation sur la mort) et Les Fraises sauvages (la réminiscence comme principe de récit et la solitude dans la nostalgie). On comprend que Bergman, si dur envers lui-même, ait toujours chéri cette œuvre de jeunesse.
«Monika» (1953)
C’est le premier des films mythiques de Bergman, d’abord en raison de son curieux destin : considéré comme une œuvre mineure au parfum d’érotisme vulgaire, Monika devint le joyau des réalisateurs de la nouvelle vague. Truffaut le citera dans Les Quatre Cents Coups (1959) et Godard le décrètera : « film le plus original du plus original des cinéastes ». Tournage en extérieurs, dans l’archipel de Stockholm, moyens légers, scénario épuré (une jeune fille aime un garçon puis le quitte), tous les principes du cinéma moderne, arraché aux conventions, sont déjà à l’œuvre ici. Pour symboliser cette liberté nouvelle, il y a le fameux regard que Monika adresse à la caméra, à nous et d’abord à Bergman, amoureux de son actrice, Harriet Andersson. Un film en état de grâce.
«Sourires d’une nuit d’été» (1955)
Pour obtenir de la Svensk Filmindustri le droit de faire des films pas d’emblée calibrés pour le succès, Bergman dût longtemps tourner des comédies qui rapporteraient de l’argent au studio. Celle-ci est si belle qu’elle compte parmi les classiques du réalisateur. C’est une ronde amoureuse orchestrée avec brio : un avocat remarié à une jeune femme toujours vierge, deux ans après les noces, retrouve son ancienne maîtresse, actrice, et provoque la jalousie de l’amant de celle-ci, un militaire qui aime les duels… Inspiré par Le Songe d’une nuit d’été, de Shakespeare et par Marivaux, le film est superbement écrit : pleins d’esprit, les dialogues virevoltent tout en épinglant les jeux de rôles entre hommes et femmes. Au Festival de Cannes 1956, Sourires d’une nuit d’été reçut le Prix de l’humour poétique. Une manière de distinguer son mélange de légèreté et de raffinement.
«Le Septième Sceau» (1957)
L’image de la Mort, qui apparaît dès les premières minutes à un chevalier revenant des croisades, a suffi à faire entrer Le Septième Sceau dans l’histoire du cinéma. Mais tout le film est frappant, fresque déchaînée montrant une humanité prisonnière de la peur : peste noire, sorcière, ciel menaçant, l’enfer est sur terre mais la perspective de mourir reste insupportable quand même… A ces mortels effrayés, la Mort n’aura pas de mal à jouer des tours, avant de les entraîner dans une danse macabre restée gravée, elle aussi, dans la mémoire du septième art. La force du Septième Sceau, c’est d’être à la fois une sorte de récit biblique et une confession éminemment personnelle : ce sont ses propres démons que projette ici Bergman, qui ne craignait pas de se dire peureux. La place qu’il donne aux artistes dans cet apocalypse suggère d’ailleurs qu’eux seuls ont trouvé un moyen de survivre aux perspectives les plus sombres. Le film d’un cinéaste capable, tout en affirmant un talent visionnaire, d’ouvrir son âme.
«Les Fraises sauvages» (1957)
Deuxième chef-d’œuvre d’une année exceptionnelle, Les Fraises sauvages est le film le plus primé de Bergman, souligne le très documenté site de la Fondation Bergman. La magie d’un retour en arrière dans notre propre vie est le fil conducteur de ce road movie où un vieux médecin, au cours d’un voyage en voiture, retrouve les lieux de sa jeunesse. Il y a là un langage universel des émotions, porté par un acteur unique : le cinéaste suédois Victor Sjöström, dont Bergman vénérait La Charrette fantôme (1921). Mais il y a aussi, dans Les Fraises sauvages, la complexité de notre rapport tourmenté au temps, chargé de nos erreurs et voué à nous faire disparaître : une dimension que la mise en scène rend très impressionnante, et qui vaudra au film d’être cité par des cinéastes aussi ambitieux que Cronenberg (Spider, 2002) et Desplechin (Esther Kahn, 2000). Une œuvre-somme.
«La Source» (1960)
Dans la campagne suédoise moyenâgeuse, en chemin vers la chapelle où elle va allumer des cierges, une jeune fille partage son repas avec deux bergers. Ils la violent, la tuent, et demandent asile, le soir venu, dans la maison qui est, ils l’ignorent, celle de ses parents. Une terrible violence retentit dans ce film qui inspira à Wes Craven son premier long métrage, un remake en version horreur pure (La Dernière Maison sur la gauche, 1972). A l’inhumanité des assassins répond la vengeance impitoyable du père de la jeune fille : dans la fureur et le sang, Bergman questionne le châtiment divin et le pardon, la chute de l’homme et son élévation. Sa manière unique de mêler le matériel et le spirituel aboutit à l’image mémorable du père luttant contre un jeune bouleau pour le faire plier : ce symbole d’un combat existentiel sera repris par Tarkovski dans Le Sacrifice (1986). Resté dans l’ombre de ses chefs-d’œuvre, La Source n’en est pas moins un des films les plus importants de Bergman.
«Les Communiants» (1963)
Se débattant toujours avec l’idée d’un Dieu présent ou absent, Bergman attaque ses propres tergiversations dans ce film cinglant où un pasteur, après avoir renié sa foi, se libère aussi de l’amour faux qui l’attachait à une femme de sa paroisse. C’est un vrai règlement de comptes, une épreuve de vérité aiguisée par le dépouillement d’un cinéma intimiste qui regarde les personnages droit dans les yeux. La lettre de la femme répudiée, qu’elle a écrite au pasteur et qu’elle lit à voix haute et en regardant la caméra, reste un des moments les plus forts du cinéma de Bergman. Mais le plus étonnant, c’est que le jeu cruel de la vérité et l’acceptation d’un monde sans miracle, sans illusions, aboutissent, dans Les Communiants, à un retour de la foi. En Dieu peut-être, en l’homme sûrement. Cette trajectoire inattendue mais profondément nécessaire et sincère achève de rendre le film admirable.
Tentative d’un cinéaste en crise de redonner du sens à son art, Persona est le plus commenté des films de Bergman, assure le site de sa Fondation. La recherche d’un sens nouveau au métier de réalisateur a donc formidablement fait sens, et ouvert toutes les interprétations, à partir d’un argument plutôt simple : une actrice qui traverse une grave crise personnelle, et perd l’usage de la parole, est envoyée en cure de repos, surveillée par une infirmière qui lui raconte sa vie. Autour de ces deux femmes, interprétées par Liv Ullman et Bibi Andersson, un effet de miroir infini se met en place, de l’opposition à la fusion de leurs visages. Visuellement, ce jeu de dames est si marquant que Persona trouve un écho dans tous les films où deux héroïnes se reflètent dangereusement l’une dans l’autre (telles celles de Mulholland Drive, de David Lynch). Comme s’il ne supportait pas de douter du cinéma et de sa puissance, Bergman le bouscule, le poussant presque au bord de l’expérimentation, et lui arrache de nouveaux secrets.
«Cris et chuchotements» (1973)
Après une série de films qui ont pu faire croire qu’il s’était assagi, Bergman décide d’un nouveau traitement de choc, à la manière de Persona : il bouscule sa façon de travailler et finance lui-même un long métrage dont il ne peut pas dire s’il prendra forme ou pas, Cris et chuchotements. Un triomphe partout dans le monde et notamment aux Etats-Unis, avec cinq nominations aux oscars. En cherchant à se renouveler, le maître est, en réalité, parvenu à la quintessence de son art : il réunit des femmes, les imagine sœurs, liées entre elles par des souvenirs d’enfance et par l’approche de la mort, et filme leur complicité, leur rivalité et leurs désirs dans des décors rouges d’une pure audace. En somme, Bergman crée sa propre mythologie : dans ce film en costumes, il fait vibrer l’idée d’un monde exotique, nordique et féminin, où les passions se consument dans un silence déchiré par des cris de souffrance. Un coup de maître.
«Scènes de la vie conjugale» (1974)
Tournée pour la télévision suédoise, qui la diffusa en cinq épisodes, cette chronique de la désintégration d’un mariage eut un tel succès qu’une version cinéma plus courte fut distribuée en salles. En observant les parfaitement accordés Johan (Erland Jospehson) et Marianne (Liv Ullmann) et en les conduisant vers une épreuve de vérité à la fois dangereuse et salutaire, Bergman met à profit sa propre expérience de la vie de couple et des échecs amoureux : séparé de Liv Ullman, il s’est marié pour la cinquième fois lorsqu’il s’attaque à Scènes de la vie conjugale. Il sait donc tellement de quoi il parle que le film impose sans effort une authenticité quasi documentaire, qui contribua beaucoup à son effet sur les téléspectateurs des années 70, pas habitués à une telle franchise sur la question des relations amoureuses, sexuelles aussi. Mais la qualité du texte donne une résonance intemporelle à cette réflexion pessimiste et pourtant généreuse sur les faux-semblants et les vrais enjeux de la vie à deux.
Persona (1966)
Director: Ingmar Bergman pic.twitter.com/zLbzXdF1od— DepressedBergman (@DannyDrinksWine) July 11, 2023
«Sonate d’automne» (1978)
Attentif aux critiques, qui l’avaient pourtant souvent éreinté, Bergman se montra sensible à la réflexion de l’un d’eux, jugeant qu’avec Sonate d’automne, « Bergman faisait du Bergman ». C’est vrai que ces retrouvailles entre une mère, qui a tout donné à sa carrière de pianiste, et sa fille, abandonnée au manque d’amour, se jouent dans un climat intimiste typique du cinéaste. Et le casting (Ingrid Bergman, la Suédoise de Hollywood, et Liv Ullmann) semble souligner aussi la volonté de mettre en avant des noms pour leur prestige. Mais la violence du film est telle qu’elle fait surgir une émotion qui n’a rien d’un calcul : Bergman ne se complaît pas dans la maîtrise, il entre dans le vif de son sujet, et les stars qu’il dirige, il les utilise pour leurs exceptionnelles qualités de jeu. Il donne tout pour les personnages et ce couple infernal mère-fille, il le fait vivre avec tout le ressentiment possible. Ingrid Bergman en tira ce constat très juste : « Hitchcock faisait des films avec son cerveau. Bergman fait des films avec son cœur ».
«Fanny & Alexandre» (1982)
C’est La recherche du temps perdu de Bergman. Un film somme (5h26), une fresque cinématographique qui se décline également en série télé, où l’auteur raconte son enfance. On retient d’abord l’image d’un petit bambin au visage gracile mais gigantesque devant un petit théâtre miniature où se jouent tous les drames du monde. Bergman se raconte, règle ses comptes avec la figure paternelle autoritaire et brutale, filme ses rêves et ses cauchemars. On n’est pas loin du film parfait.
Événements historiques
1957-02-16 Le classique du cinéma suédois « Le Septième Sceau » réalisé par Ingmar Bergman, avec Max Von Sydow et Bengt Ekerot est sorti
Summer with Monika (1953)
Director: Ingmar Bergman pic.twitter.com/NQ9ZpCoF4U— DepressedBergman (@DannyDrinksWine) July 6, 2023
1966-10-18 « Persona », film suédois réalisé par Ingmar Bergman, avec Bibi Andersson et Liv Ullmann, est sorti
1976-04-22 Le réalisateur Ingmar Bergman quitte la Suède en raison d’impôts
https://www.cnc.fr/cinema/actualites/ingmar-bergman–8-films-incontournables_872429
https://faroutmagazine.co.uk/ingmar-bergman-life-and-career/
https://www.imdb.com/name/nm0000005/bio