Qui était Donatello ?
Quand il mourut le 13 décembre 1466, Florence lui fit des funérailles en grande pompe, qui seront égalées seulement par celles de Michel-Ange.
Le sculpteur italien Donatello est l’un des artistes les plus influents du XVe siècle en Italie, connu pour sa sculpture en marbre David, entre autres œuvres populaires.
Qui était Donatello ?
Donatello est né Donato di Niccolo di Betto Bardi à Florence, en Italie, vers 1386. Ses amis et sa famille lui ont donné le surnom de « Donatello ». Il était le fils de Niccolo di Betto Bardi, membre de la Guilde florentine des peigneurs de laine. Cela a donné au jeune Donatello le statut de fils d’artisan et l’a placé sur la voie du travail dans les métiers. Donatello a fait ses études chez les Martelli, une famille florentine riche et influente de banquiers et de mécènes étroitement liée à la famille Médicis. 
Certains historiens racontent que Donatello et Brunelleschi se sont liés d’amitié vers 1407 et se sont rendus à Rome pour étudier l’art classique. Les détails du voyage ne sont pas bien connus, mais on pense que les deux artistes ont acquis des connaissances précieuses en fouillant les ruines de la Rome classique. L’expérience a donné à Donatello une profonde compréhension de l’ornementation et des formes classiques, des connaissances importantes qui finiraient par changer le visage de l’art italien du XVe siècle. Son association avec Brunelleschi l’a probablement influencé dans le style gothique que l’on peut voir dans une grande partie des premiers travaux de Donatello.
Premiers travaux
Mûrissant rapidement dans son art, Donatello a rapidement commencé à développer un style qui lui est propre, avec des figures beaucoup plus dramatiques et émotionnelles. Entre 1411 et 1413, il sculpta la figure en marbre de Saint-Marc, placée dans une niche extérieure de l’église Orsanmichele, qui servait également de chapelle aux puissantes corporations artisanales et commerciales de Florence. En 1415, Donatello acheva la statue en marbre d’un saint Jean l’Évangéliste assis pour la cathédrale de Florence. Les deux œuvres montrent un éloignement décisif du style gothique vers une technique plus classique
À cette époque, Donatello avait acquis la réputation de créer des personnages imposants et plus grands que nature en utilisant des techniques innovantes et des compétences extraordinaires. Son style a incorporé la nouvelle science de la perspective, qui a permis au sculpteur de créer des figures qui occupaient un espace mesurable. Avant cette époque, les sculpteurs européens utilisaient un fond plat sur lequel les personnages étaient placés. Donatello s’est également fortement inspiré de la réalité pour s’inspirer de ses sculptures, montrant avec précision la souffrance, la joie et le chagrin dans les visages et les positions du corps de ses personnages.
Vers 1425, Donatello s’associe au sculpteur et architecte italien Michelozzo, qui a également étudié avec Lorenzo Ghiberti. Donatello et Michelozzo se sont rendus à Rome, où ils ont produit plusieurs tombes architecturales et sculpturales, dont la tombe de l’antipape Jean XXIII et la tombe du cardinal Brancacci. Ces innovations dans les chambres funéraires influenceront de nombreuses tombes florentines ultérieures.
Le plus grand travail
Donatello avait entretenu une relation étroite et lucrative avec Cosimo de ‘Medici à Florence. En 1430, l’éminent mécène d’art chargea Donatello de réaliser une autre statue de David, cette fois en bronze. C’est probablement l’œuvre la plus célèbre de Donatello. La sculpture est totalement indépendante de tout environnement architectural qui pourrait la supporter. Haut d’un peu plus d’un mètre cinquante, David représente une allégorie de la vertu civique triomphant de la brutalité et de l’irrationnel.
Les dernières années et la mort
En 1455, Donatello était retourné à Florence et avait achevé la Madeleine pénitente, une statue d’une Marie Madeleine à l’air décharné. Commandée par le couvent de Santa Maria di Cestello, l’œuvre était probablement destinée à apporter réconfort et inspiration aux prostituées repentantes du couvent. Donatello a poursuivi son travail en acceptant des commandes de riches mécènes des arts. Son amitié de toute une vie avec la famille Médicis lui a valu une allocation de retraite pour vivre le reste de sa vie.
Il mourut de causes inconnues le 13 décembre 1466 à Florence et fut enterré dans la Basilique de San Lorenzo, à côté de Cosimo de’ Medici. Un travail inachevé a été fidèlement complété par son élève Bertoldo di Giovanni. 
Donatello deviendrait connu comme le sculpteur le plus important pour ressusciter la sculpture classique de sa tombe dans l’Antiquité, à travers un style revigoré qui s’écartait de l’iconographie plate de la période gothique. Il a innové en introduisant une nouvelle esthétique en ligne avec le mouvement florissant de l’époque vers l’humanisme de la Renaissance – un mouvement qui mettait l’accent sur un départ de la scolastique médiévale et favorisait une immersion profonde dans les sciences humaines, aboutissant à un art qui ne se concentrait plus uniquement sur le domaine séculier de la religion mais exploré la place de l’homme dans le monde naturel. Les œuvres emblématiques de Donatello, réalistes et très émotionnelles, le placeraient comme l’un des artistes les plus influents de l’Italie du XVe siècle et l’un des premiers ancêtres de la Renaissance italienne.
Réalisations
Le travail de Donatello a été fortement influencé par le regain d’intérêt pour les sciences, les mathématiques et l’architecture qui se produisait à Florence. Cela comprenait l’utilisation d’une perspective à un point pour créer un nouveau type de bas-relief pour les œuvres architecturales et une exactitude anatomique précise pour ses figures.
La figure était un point central de maîtrise pour l’artiste, et il fut en fait le premier à réintroduire la sculpture de nu. Avec l’ajout de proportions réalistes, d’émotivité et d’expression à ses sujets, qu’ils soient mythiques, historiques ou ordinaires, il a créé des œuvres qui transmettaient une réalité authentique par rapport à l’imagerie idéalisée d’avant.
Art important par Donatello
1408-15 Saint Jean l’évangéliste 
La date précise de cette première œuvre de Donatello n’est pas connue, mais entre 1408 et 1415, l’artiste a travaillé sur cette sculpture figurative en marbre à grande échelle représentant Saint Jean l’Évangéliste. Typiquement représenté comme un jeune homme, Donatello a décidé de dépeindre l’apôtre comme un prophète vieillissant, tenant la Bible, ce qui était un départ de la légende vers une interprétation plus humanisante. Alors que la moitié supérieure de la sculpture représente toujours un point de vue idéalisé, l’expression faciale du sujet est soigneusement étudiée et la sculpture des jambes et des mains indique une figuration plus réaliste. Donatello prête attention à l’anatomie des jambes du saint, même si elles sont cachées sous ses robes, démontrant une nouvelle préoccupation de représenter le corps avec justesse et naturalisme. Cette sculpture est considérée comme une étape importante par rapport au style gothique qui prédominait dans l’art florentin (et européen) à cette époque. De plus, Donatello montre une nouvelle compréhension des exigences de la perspective, compensant le fait que les spectateurs verraient la sculpture d’en bas et rendant ainsi le corps disproportionnellement plus long que les jambes. 
Marbre – Museo dell’Opera del Duomo, Florence Marbre – Musée National du Bargello, Florence
Vers 1433 Buste de Niccolo da Uzzano 
Niccolo da Uzzano était une figure importante de la politique florentine dans les premières décennies du XVe siècle, qui agissait comme une figure intermédiaire respectée entre les puissantes familles rivales de la ville. Donatello a produit le buste (bien que sa paternité soit parfois contestée) peu après la mort d’Uzzano en 1433. C’était le premier demi-buste d’un citoyen privé produit depuis l’Antiquité. L’utilisation par Donatello d’argile de terre cuite soigneusement moulée, l’expression faciale inhabituelle et le choix de la peinture polychrome suggèrent tous qu’il s’agissait d’un portrait précis d’un individu, plutôt qu’une image idéalisée représentant un concept abstrait de leadership ou de vertu.
L’artisanat de Donatello met l’accent sur l’humanité et la personnalité d’Uzzano d’une manière qui n’avait jamais été vue auparavant ni jugée crédible dans l’art. Pourtant, parallèlement au mouvement humaniste à Florence à l’époque, les artistes passaient à une interprétation plus authentique des gens, qu’ils soient royaux ou plébéiens, qui mettaient l’accent sur l’expression authentique. L’expert florentin de la Renaissance Irving Lavin soutient que la présentation de la figure en demi-buste est la clé de son pouvoir et met en évidence l’approche révolutionnaire de Donatello. En coupant la figure au niveau du buste et en évitant la présentation traditionnelle sur un socle élaboré, Donatello suggère qu’il s’agit d’un vrai portrait, et d’une représentation mimétique d’un être humain réel : « L’amputation arbitraire suggère spécifiquement que ce qui est visible fait partie d’un En se concentrant sur la partie supérieure du corps mais en soulignant délibérément qu’il ne s’agit que d’un fragment, le buste de la Renaissance évoque l’individu complet – cette somme de caractéristiques physiques et psychologiques qui composent « l’homme entier ». » Terre cuite peinte – Musée national du Bargello, Florence
1433-39 Cantoria
Au début des années 1430, l’ami et pair de Donatello, Brunelleschi, finalisait son projet ambitieux pour le dôme de la cathédrale de Florence. L’Opera del Duomo, qui était l’organisme responsable de la décoration et de l’entretien du bâtiment, s’est tourné vers la décoration intérieure. Ils ont chargé Luca della Robbia de concevoir l’un des lofts d’orgues internes, puis, en 1433, lorsque Donatello est revenu de Rome, ils l’ont immédiatement chargé de l’autre. Le projet de Donatello contrastait fortement avec celui de della Robbia. Alors que della Robbia divisait les panneaux de la cantoria en scènes distinctes illustrant les différents versets du Psaume 150, celui de Donatello consistait en un récit continu qui coulait autour des trois côtés visibles du grenier. Il en résultait une sensation d’animation et de mouvement pour le spectateur. Ce qui a également rendu son travail innovant, c’est son inspiration tirée directement des frises classiques et des sarcophages antiques qu’il avait rencontrés à Rome.
L’œuvre reflète également la maîtrise de la sculpture de Donatello et ses techniques de signature, cultivées pour manipuler l’expérience visuelle. Comme le note l’historien de l’art Timothy Verdon, « la conception du sculpteur a soigneusement pris en compte la principale source de lumière de sa cantoria : à quelques pieds sous l’œuvre se trouvait un groupe de torches et de bougies minutieusement ordonnées au sommet d’une architrave ». Au lieu de polir le marbre pour lui donner un éclat habituel, Donatello a laissé des parties rugueuses afin que, lorsqu’elles sont frappées par la lumière des bougies venant d’en bas, diverses ombres, textures et points de luminosité ajoutent un autre élément à la composition globale. Il est intéressant de noter que Donatello a pris tant de soin de la matérialité du marbre dans ce travail, car c’était la dernière commande majeure qu’il a réalisée dans ce médium. Marbre – Museo dell’Opera del Duomo, Florence
1440-43 David
Ce bronze petit mais exquis est l’une des œuvres les plus célèbres de Donatello. Il s’agit d’une sculpture en bronze autoportante de cinq pieds de David, tirée de l’histoire classique de David et Goliath. Il se tient en contrapposto, une position classique traditionnelle consistant à porter plus de poids sur une jambe que sur l’autre. Au lieu d’être dépeint comme un homme puissant, il est présenté comme un jeune garçon nu portant un chapeau inhabituel couronné de lauriers (un motif de victoire) et une paire de bottes richement dorées. Cet arrangement non conventionnel, combiné aux cheveux longs, aux traits délicats et à la silhouette mince du personnage, fait de l’œuvre une pièce provocante, coquette et efféminée. Un autre facteur étrange est qu’une aile du casque de Goliath est considérablement plus longue que l’autre et pointe la jambe du personnage vers l’aine.
Le travail a été un point de contact clé pour les arguments sur la sexualité de Donatello. Ces spéculations mises à part, le David de Donatello est important tant sur le plan technique que sur celui du traitement de son sujet par l’artiste. C’était la première sculpture de nu masculin autoportante produite depuis l’Antiquité et controversée pour une figure biblique non païenne. Au-delà de la réintroduction audacieuse du nu dans l’art, l’historienne de l’art Dr. Beth Harriet a également souligné à propos de cette période de la première Renaissance, « les figures sculptées ont finalement été détachées de l’architecture et sont à nouveau indépendantes comme elles l’étaient dans la Grèce et la Rome antiques ». Et parce qu’il est autonome, il est plus humain, plus réel. Il semble capable de se déplacer dans le monde, et bien sûr le contrapposto fait ça aussi. Il est facile d’imaginer cette figure dans le jardin du palais des Médicis, entourée de l’ancienne sculpture grecque et romaine qu’ils collectionnaient également. » En effet, en raison de sa petite taille et de son emplacement, la statue a été conçue pour évoquer une expérience intime pour les visiteurs de la famille. Bronze – Musée du Bargello, Florence
Vers 1455 Madeleine pénitente
Donatello Sculpteur italien Donatello
Un sculpteur de la Renaissance précoce et influent de Florence. Connu pour son travail en bas-relief, une forme de sculpture en relief peu profond qui a incorporé des développements significatifs du XVe siècle dans l’illusionnisme en perspective.
